Jackson Pollock

À propos de Jackson Pollock, on pourrait se demander : « Est-il le plus grand peintre des États-Unis ? » Peut-on qualifier de « grand » un peintre qui lançait la peinture au pinceau sur la toile, la versant et la projetant pour créer des tourbillons de couleurs et de lignes ? Les critiques new-yorkais le pensaient assurément, et la prééminence de Pollock parmi les expressionnistes abstraits ne s’est pas démentie. La légende classique de l’artiste aux prises avec l’alcool et sa mort précoce l’ont encore renforcée. Ses célèbres « drippings », créés à la fin des années 1940, comptent parmi les œuvres les plus originales du siècle. Tantôt ils évoquent l’élan vital de la nature elle-même, tantôt la condition de l’être humain prisonnier de son corps et d’un esprit anxieux, dans un monde moderne devenu de nouveau effrayant.

Pablo Picasso

Pablo Picasso fut un artiste prolifique, auteur d’œuvres à la fois classiques et novatrices : peinture, gravure, céramique, sculpture et formes expérimentales. Né en Espagne en 1881, il a mené une carrière de 70 ans, qui lui a laissé le temps de faire évoluer son art et d’expérimenter. Il a contribué à développer le cubisme, une technique de peinture abstraite. Dans son travail, Picasso a utilisé la couleur et l’expression des émotions.

Ce que Picasso a fait pour le cubisme était tout autre chose que les constructions géométriques « cool » de Braque. Il créait souvent des tableaux qui semblaient reproduire une image vue dans un miroir fissuré ou à travers une vitre brisée, ainsi que des portraits de femmes aux parties du visage réagencées.

Joan Miró

L’expérimentation incessante de Joan Miró et son jeu de toute une vie avec l’objectivité ont laissé une empreinte profonde dans le monde de l’art. Sa toile était un bac à sable pour son subconscient, d’où jaillissaient la joie intense de l’enfance et l’expression de sa fierté catalane.

Ses symboles picturaux caractéristiques, ses formes biomorphiques et géométriques, ses objets abstraits ou à demi abstraits ont façonné une œuvre originale et inlassable. Le style radical et inventif de Joan Miró a joué un rôle essentiel dans le voyage de l’avant-garde du début du XXe siècle vers une abstraction croissante, puis totale.

Bien que Miró soit associé au surréalisme des débuts et qu’il ait influencé l’expressionnisme abstrait et les peintres du champ coloré, il reste l’un des plus grands solitaires de l’art moderne, doté d’un vocabulaire visuel sans conteste unique.

Salvador Dalí

Bien qu’il ait expérimenté plusieurs styles artistiques, Salvador Dalí est surtout connu comme l’artiste surréaliste auquel on doit nombre des tableaux les plus célèbres du mouvement. Les théories du célèbre psychanalyste autrichien Sigmund Freud ont fortement influencé son travail.

Ses tableaux surréalistes sont remplis d’images issues de la symbolique freudienne et de son propre subconscient. Parmi les principales contributions de Salvador Dalí au mouvement surréaliste figure la méthode paranoïaque-critique, par laquelle il tentait de pénétrer son subconscient grâce à une pensée irrationnelle systématique et à des états paranoïaques qu’il provoquait lui-même.

Bien que Dalí ait travaillé jusque tard dans sa carrière, les critiques estiment que, par ses motifs récurrents, il avait déjà vécu ses meilleures années.

Fernando Botero

L’artiste colombien Fernando Botero montre à quel point on peut regarder différemment un même sujet. Bien qu’il soit connu pour les figures très rondes de ses œuvres, il affirme que son but n’est pas de représenter des corps lourds. Il veut plutôt mettre l’accent sur le volume. Voici ce que Botero entend dire par son « art des rondeurs ».

Les portraits satiriques de personnalités politiques, militaires et religieuses, de musiciens et de membres de familles royales signés Fernando Botero sont représentés rondelets et immobiles, avec un caractère de nature morte humaine. D’apparence humoristique au premier regard, les tableaux de Botero sont le plus souvent un commentaire social à portée politique.