Amedeo Modigliani – reproductions peintes à la main sur toile
Amedeo Modigliani (1884–1920) est un peintre italien que l’on reconnaît au premier coup d’œil : le long cou, le visage ovale, l’œil en amande étroit qu’il laissait souvent sans pupille. Cette catégorie réunit ses portraits, ses nus et ses cariatides – chacun sous forme de copie peinte à la main, à l’huile ou à l’acrylique sur toile, réalisée au pinceau par un peintre et non par une imprimante.
Le peintre, et comment le reconnaître
Né à Livourne, il part pour Paris en 1906 et y reste jusqu’à la fin de sa vie – d’abord à Montmartre, puis à Montparnasse, parmi les peintres que l’on appelle aujourd’hui l’École de Paris. Le musée de Grenoble décrit dans sa notice comment il fut d’abord proche des fauves et des expressionnistes, de Toulouse-Lautrec, de Matisse et de Picasso, avant d’être marqué plus profondément par sa réflexion sur Cézanne.
Sa forme ne vient pas de la peinture. Elle vient de la sculpture et du musée. Le Nasjonalmuseet d’Oslo, dans son texte sur l’un de ses tableaux, écrit qu’il s’intéressait à la sculpture africaine et que son style linéaire et allongé donnait à ses figures une modernité raffinée ; pour la couleur, selon la même notice, il préférait la palette retenue et antinaturaliste du cubisme. Le Dallas Museum of Art ajoute des noms à côté de son tableau – Matisse, Picasso, Braque, Derain – et précise qu’ils admiraient ensemble les masques africains, dont l’influence se lit chez Modigliani dans le traitement stylisé du visage. La conservatrice de la Yale University Art Gallery, dans l’enregistrement qui accompagne sa notice, nomme même les lieux : la sculpture qu’il a vue à Paris, notamment au Trocadéro, et les masques de Côte d’Ivoire.
La ressemblance n’était pas le but. C’est précisément pour cela que le contour est une fine ligne dessinée et le fond un mur de couleur plat, sans profondeur – et c’est pour cela que l’œuvre paraît encore moderne cent ans plus tard : rien n’y est superflu. Il meurt à Paris en 1920, à trente-cinq ans. En savoir plus sur la vie et l’œuvre de Modigliani.
« Pour travailler, il me faut un être vivant, je dois l’avoir devant moi. »
Amedeo Modigliani, cité par le musée de Grenoble
Les années de sculpture et la cariatide
Entre 1909 et 1913, Modigliani ne se considère pas comme peintre, mais comme sculpteur. Le Nasjonalmuseet écrit qu’il fut pendant environ un an l’assistant de Constantin Brancusi et que son sens de la forme se retrouve dans les portraits aux allures de masque. Le musée de Grenoble indique qu’outre l’art africain, il s’inspirait de la statuaire grecque archaïque, étrusque et égyptienne, et que ces années ont vu naître une série de Têtes et de Cariatides dont l’expression repose sur la simplification des volumes et sur le rythme constructif de la ligne.
De ces mêmes années vient le motif qui traverse toute son œuvre : une figure féminine qui porte sur ses bras levés le poids qui pèse au-dessus d’elle – la Cariatide. L’idée était architecturale, le corps comme une colonne, et il l’a dessinée bien plus souvent qu’il n’a réussi à la tailler dans la pierre.
Il renonce à la taille au milieu de la décennie. Le musée de Grenoble en donne pour raisons une santé fragile et des difficultés matérielles, qui le ramènent à la peinture et au portrait de commande. Il revient avec un regard de sculpteur, et c’est ce qui se voit encore sur ses toiles.
Les modèles : un cercle qui se peint lui-même
Modigliani peignait les gens qu’il connaissait, et c’est pourquoi l’on sait si souvent, chez lui, qui est représenté sur le tableau. Jeanne Hébuterne, sa compagne des dernières années, apparaît plusieurs fois dans cette galerie – en chemise blanche, en pull jaune, en robe noir et rouge, assise et à mi-corps ; Jeanne Hébuterne au pull jaune est l’un de ces tableaux.
Lunia Czechowska, une jeune Polonaise de l’entourage du marchand Léopold Zborowski, revient elle aussi, et aucun de ces tableaux n’est le même. Le musée de Grenoble intitule l’un d’eux simplement Femme au col blanc, et seule la notice du musée donne le nom du modèle. Zborowski lui-même figure dans la galerie, avec le Portrait de Léopold Zborowski, et à ses côtés sa femme, Hanka Zborowska : le marchand qui payait au peintre ses modèles et ses toiles, lui passait commande, le vendait et le faisait vivre – et qui a aussi posé pour son peintre.
À leurs côtés se tiennent les peintres et les poètes du même cercle : Moïse Kisling et Madame Kisling, Chaïm Soutine, le sculpteur Jacques Lipchitz et sa femme Berthe, Léopold Survage, Léon Indenbaum, Max Jacob, Léon Bakst, Jean Cocteau, Juan Gris, Viking Eggeling, le peintre Pinchus Krémègne, le marchand Paul Guillaume et l’écrivaine Beatrice Hastings. Ce n’est pas une galerie de célébrités. C’est un voisinage – l’École de Paris qui fait son propre portrait, faute de pouvoir s’offrir d’autres modèles.
Les nus et l’unique exposition
Les nus sont sa série la plus connue, et vous en trouverez ici toute une suite – couchés, assis, sur un coussin bleu, les cheveux dénoués. Parmi eux, le Nu couché. Ce sont justement les nus qui lui valurent la seule exposition personnelle de son vivant, en décembre 1917 chez Berthe Weill à Paris. Elle accrocha un nu en vitrine ; une foule se forma devant, et la police fit retirer les tableaux le jour même. L’exposition ferma presque aussitôt et ne vendit pour ainsi dire rien.
Sur quoi il peignait
Modigliani fut pauvre toute sa vie de peintre, et ses supports le montrent. Il ne peignait pas toujours sur toile. Pour les œuvres de cette galerie, les notices des musées mentionnent le carton, du papier marouflé sur panneau de bois, une toile doublée de papier journal, la toile de lin, un support rigide, et l’huile avec crayon sur carton. Le support n’était pas un choix esthétique. C’était ce qu’il avait sous la main cette semaine-là.
Ce n’est pas une affirmation générale, mais ce qui figure dans nos propres notices sur ces œuvres. Là où la notice d’un musée ne concordait pas avec nos données, c’est le musée qui l’a emporté ; là où les catalogues se contredisent, la description de l’œuvre le dit, car le désaccord fait partie de la vérité sur l’objet.
Où se trouvent les originaux
Les notices sur lesquelles reposent ces descriptions proviennent de musées et de collections du monde entier. Parmi eux : le Metropolitan Museum of Art et le Solomon R. Guggenheim Museum à New York, la National Gallery of Art à Washington, le musée d’Art de São Paulo, la Barnes Foundation et le Philadelphia Museum of Art, le Musée national d’art moderne – Centre Pompidou, le musée de l’Orangerie et le musée d’Art moderne de Paris, le musée de Grenoble, le LaM près de Lille, la Tate et The Courtauld Gallery à Londres, le Kunstmuseum Basel, le Kunstmuseum Bern et le Kunsthaus Zürich, l’Albertina à Vienne, la Pinacoteca di Brera à Milan, le Moderna Museet à Stockholm, le Nasjonalmuseet à Oslo, l’Ateneum à Helsinki, l’Israel Museum à Jérusalem, la Yale University Art Gallery, l’Art Institute of Chicago, le Detroit Institute of Arts, le Dallas Museum of Art, le Norton Simon Museum, le Toledo Museum of Art, le Cincinnati Art Museum, le Honolulu Museum of Art, l’Indianapolis Museum of Art, le Pola Museum of Art et le Nakanoshima Museum of Art au Japon, le Long Museum à Shanghai et la collection Cerruti au Castello di Rivoli. Certaines œuvres se trouvent dans des collections privées, et lorsque c’est le cas, la page de l’œuvre l’indique.
Lorsqu’une notice de musée n’a pas pu être consultée, nous ne le cachons pas : la page indique plutôt que l’information n’a pas été vérifiée que de la deviner. Et lorsqu’une institution émet elle-même une réserve, cette réserve reste dans notre texte – si le musée écrit « peut-être » ou « probablement », nous l’écrivons aussi.
Quand une notice se contredit
Chez Modigliani, cela arrive plus souvent qu’on ne le croirait, et sur ces pages nous n’aplanissons rien – nous publions les deux versions et indiquons à qui appartient chacune.
La Yale University Art Gallery intitule son œuvre sans nommer personne, alors que sa propre conservatrice, dans l’enregistrement joint à la même notice, nomme sans hésiter Jeanne Hébuterne ; les deux viennent du musée, et les deux figurent sur la page Portrait de jeune femme (Yale). Le Nasjonalmuseet d’Oslo fait l’inverse : dans le champ du catalogue, il nomme Anna Zborowska, et deux paragraphes plus haut, dans son propre texte, il écrit que le modèle est probablement inconnu – Jeune femme (Oslo). Le Dallas Museum of Art publie la dimension visible et la dimension avec cadre, mais aucune dimension de la toile – Garçon en culotte courte. Le Detroit Institute of Arts ne date une œuvre que du « début du XXe siècle », sans année – Jeune homme à la casquette. Et le Metropolitan Museum of Art intitule l’un de ses tableaux La Marchande de fleurs, alors qu’il n’y figure aucune fleur ; les catalogues donnent donc aussi, à côté de ce titre, un titre plus simple : jeune femme assise.
Ce qu’un Modigliani peint à la main exige du peintre
Une reproduction est la répétition d’un tableau existant. Chez nous, cela ne veut pas dire une impression, mais un nouveau tableau : le peintre pose sur la toile, à l’huile ou à l’acrylique et de sa propre touche, le même sujet, la même composition et les mêmes couleurs.
Chez Modigliani, c’est plus difficile qu’il n’y paraît, et c’est pour cela que cela compte davantage. Les fonds sont plats et proches d’une couleur unique, si bien que la moindre irrégularité de la couche se voit. La couleur ne modèle pas la forme par l’ombre et la lumière – elle la remplit, donc le ton doit être juste du premier coup. Le contour est une ligne dessinée qui doit se poser d’un seul geste ; si on la reprend, la reprise se voit. Et l’œil : sur certains tableaux, c’est une amande sans pupille, un aplat, sur d’autres la pupille est là et le regard revient vers vous. Lequel des deux porte chaque tableau n’est pas un détail. C’est son caractère.
Une impression peut recopier l’image, pas la matière : la couleur posée à plat sur la toile laisse voir dessous le tissage et le bord de la touche, l’impression ni l’un ni l’autre. Parmi les reproductions sur toile, c’est précisément le genre de tableau pour lequel la copie d’un peintre est, à l’évidence, la bonne réponse.
Lequel choisir et où l’accrocher
Les portraits sont verticaux et calmes ; ils conviennent à une chambre, à une entrée ou à un bureau, là où l’on se tient près du tableau. Les nus sont couchés et demandent un mur plus large – au-dessus d’un canapé ou d’un lit. La Cariatide et les études des années de sculpture sont graphiques et supportent bien un petit format, y compris en série de deux ou trois.
Comme les fonds sont plats et paisibles, un Modigliani n’entre pas en conflit avec la couleur du mur derrière lui. Il fonctionne sur un mur blanc comme sur un mur sombre ou de teinte chaude, et comme chaque forme y est grande, il reste lisible même sur une petite toile. Dans une pièce très meublée, c’est un avantage de plus : le tableau n’ajoute pas de désordre, il ajoute une figure tranquille.
Comment se passe la commande
Vous choisissez d’abord le sujet, puis la dimension. Chaque tableau est peint dans la dimension que vous choisissez, et si la vôtre ne figure pas dans la liste, nous le réalisons sur mesure. Vous choisissez le cadre dans notre application 3D, qui affiche le cadre choisi de façon réaliste. Si vous voulez voir le tableau sur votre mur, utilisez notre service de mise en situation – c’est un service distinct du choix du cadre. Une fois la toile terminée, nous la photographions et vous envoyons la photo à valider avant l’expédition. Si vous préférez laisser le choix à la personne à qui vous l’offrez, il existe un bon cadeau.
Questions fréquentes
Qu’est-ce qu’une reproduction peinte à la main ?
Un nouveau tableau, pas une impression. Le peintre peint sur la toile, au pinceau et à l’huile ou à l’acrylique, le même sujet, la même composition et les mêmes couleurs que l’original. Comme c’est une personne qui travaille, certaines touches et nuances diffèrent légèrement d’une copie à l’autre ; ce n’est pas un défaut, c’est la différence entre un tableau et une impression.
Où accrocher un portrait, et où un nu ?
Les portraits sont verticaux et calmes et trouvent leur place là où l’on se tient près du tableau – entrée, chambre, bureau. Les nus sont couchés et demandent un mur plus large et dégagé, par exemple au-dessus d’un canapé ou d’un lit. La Cariatide et les études de sculpture sont graphiques et fonctionnent bien en petit format ou en série.
Puis-je avoir un tableau dans une dimension qui n’est pas dans la liste ?
Oui. Chaque tableau est réalisé dans la dimension que vous choisissez, et si la vôtre ne figure pas parmi celles proposées, nous le peignons sur mesure.
Pourquoi les yeux ont-ils des pupilles sur certains tableaux et pas sur d’autres ?
Parce que Modigliani les peignait ainsi. Sur certaines toiles, l’œil est une amande sans pupille, un aplat de couleur ; sur d’autres, la pupille est peinte et le regard revient vers le spectateur. La conservatrice de la Yale University Art Gallery rattache ce regard retenu et vide aux masques africains. Pour une copie, ce n’est pas un détail mais le caractère du tableau, et nous le conservons tel qu’il est sur l’original. Nous avons compté les 76 œuvres de cette galerie : 53 n’ont pas de pupilles, 17 en ont, trois ont un œil de chaque sorte, deux ont les yeux fermés et pour une, nous n’avons pas pu trancher – œuvre par œuvre.
Deux copies du même tableau sont-elles identiques ?
Non, et elles ne peuvent pas l’être. Chaque toile est peinte par un peintre, chaque copie est donc un peu unique. Avant l’expédition, vous recevez une photo de la toile terminée et vous la validez.
Comment choisir le cadre et voir le tableau sur mon mur ?
Vous choisissez le cadre dans l’application 3D, qui affiche le cadre choisi de façon réaliste. Notre service de mise en situation montre le rendu du tableau sur votre mur ; c’est un service distinct du choix du cadre.
Est-ce une bonne idée de cadeau ?
Oui. Si vous ne voulez pas choisir la dimension vous-même, il existe un bon cadeau que la personne utilise elle-même. Avec les nus, le sujet est sans détour, il est donc utile de savoir où le tableau sera accroché : dans une chambre, il va de soi ; dans un salon, c’est un choix.
Comment le tableau est-il livré ?
Comme vous le choisissez : tendu sur un châssis en bois et prêt à accrocher, roulé dans un tube, ou encadré. Dans tous les cas, il voyage dans un emballage de protection.