Pierre-Auguste Renoir: pintor de la luz, la piel y la tarde de domingo
De todos los impresionistas, Pierre-Auguste Renoir es el que menos pintó el paisaje por el paisaje mismo. Le interesaban las personas —bailarines, remeros, niños, mujeres junto a la ventana— y la luz que cae sobre ellas. Por eso sus cuadros siguen gustando también a quienes no sienten ningún interés por la historia del arte: uno se queda ante ellos como ante una escena que ya ha vivido en algún lugar. Esta página resume el recorrido de Renoir desde el taller de porcelana hasta los lienzos tardíos del sur de Francia y explica por qué su técnica es reconocible, también porque una reproducción pintada a mano de esa técnica exige un enfoque distinto al de la impresión.
Limoges, 1841: de la porcelana al lienzo
Renoir nació en 1841 en Limoges, ciudad que entonces era sinónimo de porcelana. La familia se trasladó pronto a París, donde el muchacho, todavía adolescente, entró a trabajar en un taller de porcelana decorando vajilla. No fue un simple episodio artesanal. Pintar porcelana exige aplicar el color en capa fina y rápida sobre un soporte liso y no absorbente: la pintura no debe espesarse y la pincelada no se puede corregir. Esa costumbre de la capa fina y transparente acompaña la pintura de Renoir hasta el final y separa sus lienzos de las superficies densas y empastadas de muchos de sus contemporáneos.
El taller de Gleyre y un verano junto al Sena
En la década de 1860 Renoir ingresó en el taller de Charles Gleyre, donde conoció a Claude Monet, Alfred Sisley y Frédéric Bazille. Lo decisivo fue un verano junto al río: Renoir y Monet pintaron codo con codo en el balneario de La Grenouillère, a orillas del Sena, intentando captar el agua como un mosaico de reflejos y no como una superficie uniforme. De esos lienzos pequeños, pintados con rapidez, nació el impresionismo: no como un programa, sino como solución práctica al problema de cómo pintar algo que se mueve sin cesar.
1874: la primera exposición y un nombre pensado como insulto
En 1874 un grupo de pintores, cansado de esperar al Salón oficial, organizó su propia exposición. La crítica fue burlona, y de ella salió el nombre que los artistas acabaron adoptando. Renoir participó en esas exposiciones, pero también se alejó del grupo en varias ocasiones: deseaba el reconocimiento oficial y los encargos de retratos de forma más abierta que muchos colegas, lo que le valió reproches de complacencia y, al mismo tiempo, le permitió sobrevivir.
Bal du Moulin de la Galette: un domingo parisino
En 1876 nació uno de los lienzos más famosos del siglo XIX francés: una escena de baile dominical en Montmartre, hoy en el Museo de Orsay de París (inv. RF 2739). Renoir lo pintó en el lugar mismo, bajo los árboles, donde el sol atraviesa el follaje y cae sobre los rostros y los vestidos en manchas irregulares y cambiantes. En lugar de suavizarlas, las dejó como manchas de color: azuladas y violáceas en la sombra, cálidas a la luz. Precisamente por eso el cuadro da la impresión de que la multitud se mueve. Encontrará una reproducción de esta obra en nuestra oferta como Baile en el Moulin de la Galette.
El almuerzo de los remeros y el fin de la despreocupación
Entre 1880 y 1881 Renoir pintó El almuerzo de los remeros, hoy en The Phillips Collection de Washington (inv. 1637). El lienzo mide 130,2 × 175,6 cm. En la terraza de un restaurante a orillas del Sena se sienta un grupo de amigos, modelos y mecenas, en una escena que es a la vez retrato de grupo y bodegón con cristal, fruta y mantel blanco. El cuadro es la cumbre del periodo impresionista de Renoir y, al mismo tiempo, su última gran escena de este tipo. Como cuadro al óleo sobre lienzo es también uno de los motivos más exigentes de reproducir, porque el pintor debe dominar todos los rostros sin perder la ligereza del conjunto: El almuerzo de los remeros.
Italia y el «periodo seco»
A comienzos de los años ochenta Renoir viajó a Italia. Los frescos de Rafael y la pintura mural romana le mostraron algo que el impresionismo no tenía: un dibujo firme y claro y una forma que no se disuelve en la luz. A su regreso cambió de estilo durante algunos años: los contornos se volvieron nítidos, las superficies más frías y las composiciones más planificadas. Él mismo no quedó satisfecho con ese periodo, pero sin él no existiría el Renoir tardío: de ahí trajo un sentido del volumen que después volvió a calentar con el color.
Cagnes-sur-Mer: los últimos años
Renoir pasó sus últimos años en el sur de Francia, en Cagnes-sur-Mer, donde murió en 1919. El reumatismo le paralizaba cada vez más las manos, por lo que pintaba más despacio y sujetando el pincel de otra manera, pero no dejó de pintar. Los lienzos tardíos son más suaves, más rojizos y más plenos, con cuerpos que parecen casi fundidos con el paisaje que los rodea. Fueron durante mucho tiempo las obras menos apreciadas y hoy están entre las más expuestas.
Durand-Ruel y el camino de los cuadros de Renoir hacia América
El aliado más importante de Renoir no fue un crítico, sino un marchante. Paul Durand-Ruel compraba a los impresionistas cuando el Salón de París todavía no los quería, y a menudo les adquiría obras en lotes grandes, lo que permitió a los pintores, sencillamente, sobrevivir. En abril de 1886 organizó en Nueva York una exposición titulada Works in Oil and Pastel by the Impressionists of Paris —289 obras de su propio fondo— y abrió así el mercado estadounidense, mucho más curioso por este arte que el francés. Las consecuencias se ven todavía hoy: gran parte de la obra de Renoir no está en Francia, sino en colecciones estadounidenses. La mayor colección de sus obras del mundo la reunió Albert C. Barnes: la Barnes Foundation de Filadelfia conserva unos 180 cuadros de Renoir; las fuentes hablan de entre 179 y 181. Quien imagina a Renoir como un pintor sobre todo de museo francés se equivoca; su mercado fue el estadounidense, y ya en vida del pintor.
Motivos que vuelven en Renoir
La obra de Renoir puede leerse como unas cuantas familias de motivos que se repiten. La primera son las escenas de vida social: el baile, el almuerzo, la terraza junto al río, el palco del teatro. La segunda, los retratos, a menudo de niños y mujeres jóvenes, sin pose oficial y sin patetismo; precisamente ellos le traían los encargos que pagaban todo lo demás. La tercera son las bañistas, un tema que lo acompañó desde los primeros años hasta los últimos lienzos y en el que continuó más abiertamente la tradición de los maestros antiguos. La cuarta, los bodegones de flores y los jardines, que le servían también de ejercicio de color sin la presión de un cliente. La quinta, los paisajes: el Sena en Chatou, dos viajes a Argelia en 1881 y 1882 y, más tarde, los olivares del sur de Francia. Para elegir una reproducción, esta división es más útil que una lista de títulos: un cuadro de pared con una escena de baile ocupa el espacio de otra manera que un sereno bodegón de flores, y ambos son igual de característicos de Renoir.
Cómo pintaba Renoir en realidad
La técnica de Renoir es fina, no gruesa. Aplicaba el color en capas transparentes, entrelazadas entre sí, a menudo húmedo sobre húmedo, de modo que los bordes de las zonas de color se funden y apenas hay contorno. Pintaba las sombras con color —azul, violeta, verde— y no con negro. El resultado es una superficie que de cerca se descompone en pinceladas sueltas y a dos metros se recompone en piel, tela y follaje. Para un pintor que trabaja al óleo sobre lienzo a partir de Renoir, lo más difícil es precisamente ese equilibrio: la pincelada tiene que seguir viéndose y el conjunto, ser suave.
Por eso Renoir es uno de los pintores más exigentes de reproducir. En un motivo de contorno marcado, el pintor puede corregir un error con el dibujo; en Renoir no hay un dibujo que sostenga el conjunto: el rostro, la tela y el follaje nacen exclusivamente de las relaciones entre las pinceladas de color. Si las pinceladas están demasiado fundidas, el cuadro se vuelve apagado; si son demasiado duras, la escena se deshace en manchas sueltas. Por eso, en nuestras reproducciones de Renoir, lo que más tiempo lleva es precisamente el último tercio del trabajo, cuando las sombras se ajustan a las partes iluminadas y la piel adquiere esa cálida transparencia por la que se reconoce al pintor. Esa es también la razón de que, con este pintor, un cuadro pintado a mano y una impresión no sean comparables: la impresión reproduce el aspecto de la pincelada, no su materia.
Reproducciones de Renoir pintadas a mano
En nuestra oferta Renoir está representado por una selección de sus motivos más conocidos, y todos se realizan como reproducción artística sobre lienzo: el pintor los pinta a mano al óleo, por encargo y en el tamaño que usted elija. Nunca se trata de una impresión. Puede ver toda la selección en la página Pierre A. Renoir; cada motivo está disponible en varios formatos y tamaños.
Preguntas frecuentes sobre Pierre-Auguste Renoir
¿Dónde están hoy los cuadros más famosos de Renoir?
Están repartidos por colecciones a ambos lados del Atlántico. En el Museo de Orsay de París está Bal du Moulin de la Galette (inv. RF 2739), mientras que El almuerzo de los remeros lo conserva The Phillips Collection de Washington (inv. 1637). La mayor cantidad de lienzos de Renoir en un solo lugar la tiene la Barnes Foundation de Filadelfia.
¿Pintaba Renoir con puntillismo?
No. El puntillismo es el método de Georges Seurat y Paul Signac, que aplican el color en puntos separados. Renoir pinta con pinceladas finas y entrelazadas que se funden entre sí: el procedimiento contrario.
¿Usaba Renoir la espátula y los empastes gruesos?
No. El empaste grueso y plástico con espátula es propio de otros pintores. La superficie de Renoir es fina y transparente, algo que probablemente tiene que ver también con su temprano trabajo en porcelana.
¿Cuándo se pintó El almuerzo de los remeros?
Entre 1880 y 1881. La Phillips Collection data la obra en ese intervalo de años, por eso también nosotros la indicamos como 1880–1881 y no con un solo año.
¿Por qué cambió el estilo de Renoir después de 1881?
Tras su viaje a Italia, donde vio a Rafael y la pintura mural romana, adoptó durante algunos años un dibujo más nítido y una forma más clara. Él mismo juzgaba ese periodo con espíritu crítico, pero le dio un sentido del volumen que más tarde unió a un color más suave.
¿Cómo se hace una reproducción pintada a mano de un cuadro de Renoir?
El pintor realiza la obra al óleo sobre lienzo, en el tamaño y el formato elegidos, respetando la técnica original: capas finas y entrelazadas y sombras de color. Como es un trabajo manual, cada reproducción tiene algo propio; esa es la diferencia entre un cuadro y una impresión.