Henri Rousseau – Les Joyeux Farceurs

Les Joyeux Farceurs – Henri Rousseau

Les Joyeux Farceurs est une scène de jungle où il n’y a aucun danger. Parmi une végétation dense s’attardent des singes, avec un oiseau à côté d’eux, et rien n’y est chassé, rien n’y fuit. L’original est conservé au Philadelphia Museum of Art sous le numéro d’inventaire 1950-134-176 ; le musée le date de 1906 et indique 145,7 cm de hauteur et 113,3 cm de largeur. Chez nous, il devient une reproduction peinte à la main à l’huile, sur toile, en huit dimensions de 50 x 65 cm à 150 x 190 cm ou sur mesure. Avant l’expédition, nous vous envoyons une photo de la toile terminée à valider.

Que voit-on sur la toile ?

La scène est une jungle, avec des singes et un oiseau. Ce n’est pas notre description, mais ce qui est répertorié pour l’œuvre : jungle, singes, oiseau, et rien d’autre. Nous le disons si précisément parce qu’il est tentant, avec ce peintre, d’en décrire plus qu’on ne peut en vérifier. Ce que l’on peut voir et décrire de cette scène sans conjecture, c’est le procédé : le feuillage est peint feuille après feuille, chacune avec son contour net, et celui du fond est peint aussi nettement que celui de l’avant. La scène n’a donc pas la profondeur que l’on attendrait, mais fait l’effet d’un mur dense dans lequel les animaux sont insérés. Le même procédé sur une toile plus large est montré dans La Jungle équatoriale.

Qui sont les farceurs du titre ?

Le titre les appelle des farceurs, mais sur la toile ce sont des singes. C’est chez ce peintre une différence importante : le titre prête à la scène une humeur que les animaux eux-mêmes ne montrent pas. Un singe peint au contour net et sans mimique ne peut pas avoir l’air joyeux ; la gaieté vient du titre, et le spectateur la voit ensuite dans la scène. C’est pourquoi c’est l’une de ces œuvres où le titre fait partie du tableau et n’en est pas seulement l’étiquette. Si on laisse le titre de côté, il reste une scène calme, presque silencieuse. Une scène voisine avec des animaux et de la végétation est montrée dans Forêt tropicale avec singes.

Quand le tableau a-t-il été peint ?

Le musée le date de 1906, avec une seule année, non une fourchette et sans le petit mot « vers ». Cela vaut la peine d’être dit, parce que bien des œuvres de ce peintre sont datées plus prudemment par les institutions, avec une fourchette ou une réserve. Ici, la notice est sans ambiguïté, et nous l’indiquons donc telle quelle. L’année 1906 place la toile à l’époque où le peintre était déjà revenu à la jungle et peignait ces scènes l’une après l’autre.

Pourquoi la végétation n’est-elle pas un arrière-plan ?

Parce qu’elle n’est pas peinte comme un arrière-plan. Dans un tableau ordinaire, ce qui est au fond s’adoucit, s’assombrit ou s’émiette, pour que l’œil sache ce qui est proche et ce qui est loin. Ici, rien de tout cela : une feuille de la dernière couche est aussi nette qu’une feuille de la première, et les couleurs ne reculent pas vers le fond. Il en résulte que la végétation occupe toute la surface et que les animaux ne se tiennent pas devant elle, mais en elle. C’est pourquoi la scène peut être regardée longtemps sans que l’œil se pose quelque part : il n’y a pas un point vers lequel le tableau conduirait. Une version plus dramatique de la même construction est montrée dans Le Lion ayant faim se jette sur l’antilope.

Que signifie le tableau ?

Comme il ne se passe rien, la scène ne raconte pas, et c’est précisément ce qu’il est le plus facile de lire comme son contenu. La jungle est ici un lieu où l’on peut simplement être, non un lieu de chasse. Certains spectateurs y voient la plaisanterie que promet le titre, d’autres quelque chose de plus étrange : un monde ordonné trop régulièrement pour être réel, et dans lequel les animaux sont plus un ornement que des habitants. Les deux se défendent, et le tableau ne prend parti pour aucun. Vous en saurez plus sur le parcours du peintre dans notre article sur le peintre.

Comment le tableau est-il entré au musée ?

Le musée indique que l’œuvre est entrée dans la collection en 1950 dans le cadre de la collection de Louise et Walter Arensberg. C’est la seule information sur le parcours de la toile que l’institution publie : pas d’énumération des propriétaires précédents, pas d’historique de vente. Nous n’indiquons donc rien d’autre non plus. Ce que le musée publie en plus, ce sont le peintre, le titre, l’année, la technique, les dimensions, le département de peinture européenne et le numéro d’inventaire 1950-134-176. Vous trouverez tout cela dans sa notice sur la page de l’œuvre sur le site du musée.

Que signifie l’art naïf pour cette œuvre ?

L’art naïf est le nom donné à la peinture d’autodidactes qui n’ont pas fait d’études dans des ateliers académiques et qui ne suivaient pas leurs règles de perspective, d’ombre et d’anatomie. Sur cette toile, cela se voit surtout dans l’absence de perspective atmosphérique : la végétation ne se perd pas vers le fond. Rousseau était employé d’octroi et ne s’est mis sérieusement à la peinture que vers la quarantaine. L’étiquette d’art naïf ne désigne donc pas l’ignorance, mais un style que l’on reconnaît au premier regard, et c’est précisément ce style qui se transmet dans la reproduction de cette œuvre.

Comment votre toile est-elle réalisée chez nous ?

Nous ne commençons la toile qu’après votre commande ; elle est peinte sur commande et tendue sur châssis dans notre atelier d’encadrement en Slovénie. Nous appliquons la peinture à l’huile en couches, des dernières couches de feuillage vers les premières et enfin vers les animaux. Comme chaque feuille est peinte séparément et que rien ne s’estompe, cela représente plusieurs semaines de travail pour les grandes dimensions ; c’est là que le travail à la main se remarque le plus. Nous n’imprimons pas et n’utilisons aucune application mécanique ; une toile peinte à la main se distingue d’une impression au toucher, car l’épaisseur de la peinture se voit et se sent. Nous tendons la toile sur un châssis en bois et la préparons pour l’accrochage. Vous trouverez toute l’offre de ce peintre dans la galerie Henri Rousseau.

Quelle dimension pour quel mur ?

Huit dimensions sont disponibles : 50 x 65, 60 x 75, 70 x 90, 80 x 100, 90 x 120, 113 x 146, 130 x 170 et 150 x 190 cm. Comme il s’agit d’une toile verticale au motif dense, elle demande de la hauteur et un peu de mur calme autour d’elle : entre une porte et un angle, près d’un escalier ou dans une entrée. Pour un salon, le choix le plus courant est 90 x 120 cm ou plus. En dessous de 60 x 75 cm, les feuilles commencent à se fondre en une surface verte et la scène perd précisément ce qui la fait fonctionner. La dimension 113 x 146 cm est la mesure de l’original, arrondie au centimètre.

Comment commander des dimensions sur mesure, le châssis et le cadre ?

Vous commandez des dimensions sur mesure par la page tableau sur mesure, où vous indiquez la largeur et la hauteur souhaitées. Pour ce motif, le rapport des côtés compte : la scène est verticale et dense d’un bord à l’autre ; si on l’élargit, une végétation apparaît sur les côtés, qui n’existe pas sur le modèle, et si on la raccourcit, la couche supérieure de feuillage se perd. Pour les dimensions non standard, nous proposons donc de conserver le rapport et de n’adapter que la taille. La toile est toujours tendue sur un châssis en bois. Le cadre n’est pas compris dans le prix et vous le choisissez séparément.

Comment se passent la livraison et la garantie ?

Nous livrons en France et dans la plupart des pays de l’UE. La toile voyage roulée dans un tube rigide ou tendue sur châssis, selon la dimension, toujours avec une protection. Nous garantissons que chacun de nos tableaux est peint à la main et que vous verrez la photo de l’œuvre terminée avant l’expédition ; si quelque chose sur la photo ne vous convient pas, nous retouchons le tableau avant qu’il ne quitte notre atelier d’encadrement. Le délai de réalisation dépend de la dimension et nous le confirmons à la commande.

Questions fréquentes

Où se trouve l’original aujourd’hui ?

Au Philadelphia Museum of Art, sous le numéro d’inventaire 1950-134-176. Le musée indique huile sur toile, 145,7 cm de hauteur et 113,3 cm de largeur.

De quelle année date le tableau ?

Le musée le date de 1906, avec une seule année, sans fourchette et sans réserve.

Que représente exactement le tableau ?

Une jungle, des singes et un oiseau. Le musée ne publie pas de description de cette œuvre ; nous n’affirmons donc rien de plus.

Quelle dimension est la plus proche de l’original ?

La dimension 113 x 146 cm. Pour l’original, le musée indique 113,3 cm de large et 145,7 cm de haut.

Est-ce une impression ?

Non. Chaque toile est peinte à la main, à la peinture à l’huile, sur commande. L’épaisseur de la peinture se voit et se sent, ce qu’une impression ne peut pas imiter.

Quelle dimension choisir ?

Pour un salon, 90 x 120 cm ou plus ; pour un mur plus étroit, 70 x 90 cm. Le format vertical demande de la hauteur, non de la largeur.

Puis-je avoir une dimension qui n’est pas dans la liste ?

Oui, nous réalisons les dimensions sur mesure sans supplément pour une taille non standard. Nous vous recommandons de conserver le rapport des côtés.

Comment l’œuvre est-elle entrée au musée ?

En 1950, dans le cadre de la collection de Louise et Walter Arensberg. Le musée ne publie pas d’autres informations sur le parcours de la toile.

Peut-on voir l’original ?

Le musée est ouvert au public, mais la notice indique que l’œuvre n’est actuellement pas dans l’accrochage permanent. Vérifiez auprès du musée avant votre visite.

Comment le tableau est-il livré ?

Roulé dans un tube ou tendu sur châssis, avec un envoi suivi. Nous confirmons le délai de réalisation à la commande.

Est-ce une bonne idée de cadeau ?

La scène est calme et colorée, c’est donc un choix apprécié pour un cadeau. Si vous préférez laisser le choix à la personne, un bon cadeau est disponible.

• Sujet : des singes et un oiseau dans une jungle dense, sans chasse et sans événement
• Original : 1906, huile sur toile, 145,7 x 113,3 cm (hauteur x largeur), Philadelphia Museum of Art, n° d’inventaire 1950-134-176
• Notre version : peinte à la main à l’huile, huit dimensions de 50 x 65 à 150 x 190 cm ou sur mesure
• Bon à savoir : la gaieté de la scène vient du titre, non du visage des animaux