Edgar Degas – Madame René De Gas

Madame René De Gas è il ritratto di una donna che stava perdendo la vista, dipinto da un uomo che aveva appena saputo che la propria si stava indebolendo. Siede al centro di un divano chiaro e guarda verso di noi, la testa girata un poco alla sua destra, i capelli castani pettinati dietro le orecchie; il volto è pallido e quieto, e lo sguardo non si posa del tutto su chi guarda. Indossa un abito bianco ampio cosparso di piccoli segni floreali scuri, con maniche larghe e pizzo bianco alla gola e ai polsi, chiuso in vita da una fascia scura; la gonna si distende in un grigio morbido su tutta la metà inferiore della tela. Dietro di lei una parete rosa liscia, non divisa. Grigio e rosa reggono l’intera opera e altro colore quasi non ce n’è. L’originale misura 92 x 72,9 cm, è del 1872/1873 ed è alla National Gallery of Art di Washington con il numero 1963.10.124. Il segno in basso a destra non è una firma ma il timbro d’atelier. Da noi nasce a mano, in sette misure da 50 x 40 a 150 x 110 cm oppure su misura, e prima della spedizione riceve una fotografia dell’opera finita per l’approvazione.

Madame René De Gas – Edgar Degas

Chi è la donna?

Il museo la nomina: Estelle Musson Balfour de Gas, cugina di primo grado del pittore e sua cognata, sposata con suo fratello René. L’opera nacque durante il soggiorno di Degas a New Orleans nel 1872-1873, dove viveva la famiglia di sua madre. Il catalogo la registra sotto il nome di lei — Renée Degas [Estelle] — e sotto una descrizione del suo abito, Portrait d’une jeune femme en robe de mousseline blanche. Siede al centro di un divano chiaro, la testa girata un poco alla sua destra, e guarda verso di noi senza davvero incontrarci.

Che cosa c’è sulla tela?

Quasi nulla, se non una donna e una parete. I capelli castani sono pettinati dietro le orecchie. L’abito è di mussola bianca ampia, cosparso di piccoli segni floreali scuri, con maniche larghe e pizzo bianco alla gola e ai polsi, chiuso in vita da una fascia scura; la gonna si distende in un grigio morbido su tutta la metà inferiore. Una mano riposa in grembo. Dietro di lei una parete rosa liscia corre ininterrotta da bordo a bordo — niente finestra, niente porta, niente appeso al muro. A sinistra si alzano il cuscino e lo schienale del divano, a destra il suo piano esce dal bordo. Grigio e rosa reggono tutto, e altro colore nell’opera quasi non c’è.

Perché è dipinta così?

Perché stava perdendo la vista, e la stava perdendo anche lui. Il museo lo dice chiaramente: la scoperta, nel 1871, che la propria vista si stava deteriorando rese Degas sensibile, l’anno seguente, alla quasi cecità di Estelle. Dice anche che cosa ne fece. Posa, gesto e oggetti erano il suo modo abituale di caratterizzare chi posava, e qui questi dettagli furono deliberatamente omessi. La messa a fuoco morbida, l’accordo cromatico sommesso e quasi monocromo e il suo sguardo non focalizzato corrispondono, nella lettura del museo, alla sua vista limitata e mostrano il rispetto del pittore e la sua comprensione della situazione. Il vuoto che un primo sguardo potrebbe leggere come incompiutezza è dunque il soggetto stesso.

Che cosa significa la scena?

Che un ritratto può riguardare l’attenzione più dell’aspetto. Come quadro artistico è silenzioso fino alla severità — una figura, una parete, due colori — e ripaga chi ci convive, non chi lo sfiora con lo sguardo. Poiché grigio e rosa sono morbidi e caldi, sta bene fra i quadri per il soggiorno, in camera da letto o in un angolo di lettura, dove la sua sobrietà è un pregio e non una mancanza. Fra i quadri moderni di soggetto ottocentesco è quello che non impone nulla a una stanza. Fra i ritratti di Degas è il più tenero, e fra le sue opere degli anni Settanta il più lontano dal teatro e dall’ippodromo. La nostra riproduzione è costruita attorno a due cose: la morbidezza dei bordi e il rosa esatto di quella parete.

Dalla vendita d’atelier a Chester Dale

Degas non vendette questo ritratto; alla sua morte era ancora suo. Entrò nella vendita d’atelier Degas alla Galerie Georges Petit di Parigi, 6-8 maggio 1918, come numero 97, dove lo comprò il mercante Jacques Seligmann (1858-1923) per la propria collezione privata. Alla vendita Seligmann alle American Art Galleries di New York, il 27 gennaio 1921, era il numero 51 e fu acquistato da M. Knoedler & Co. di Londra, New York e Parigi. Questa lo vendette nel 1921 a Henry D. Hughes di Filadelfia; in seguito fu in conto vendita presso le Marie Sterner Galleries, e il 10 novembre 1928 fu venduto a Chester Dale (1882-1962) di New York. Dale lo lasciò alla National Gallery of Art, che lo ricevette come lascito nel 1963 e ancora lo attribuisce alla collezione Chester Dale. Il catalogo descrive quest’ultimo passaggio come dono anziché lascito; noi seguiamo il museo.

Il motivo tra le opere di Degas

Tre opere che vendiamo stanno vicine a questa. Ritratto in un ufficio di cotone a New Orleans viene dallo stesso soggiorno del 1872-1873 e ne mostra l’altra faccia: l’azienda di famiglia invece della famiglia. Edmondo e Thérèse Morbilli è il ritratto di sua sorella Thérèse e del marito, ed è nello stesso museo con il numero di inventario successivo, dalla stessa collezione Chester Dale. La famiglia Bellelli è il primo e il più grande dei suoi ritratti di famiglia. L’originale è alla National Gallery of Art di Washington, che lo registra come Madame René de Gas, 1872/1873, olio dipinto su tela, 72,9 x 92 cm, inv. 1963.10.124, e il catalogo Schulman lo elenca come MS 1946, Lemoisne I-313, con il timbro Vente Degas in basso a destra.

Come nasce la nostra versione dipinta a mano?

Con pennello e colore a olio, con la stessa tecnica dell’originale, dunque come olio su tela. La cosa più difficile è la morbidezza. Ogni bordo di quest’opera — la linea della spalla, i capelli contro la parete, l’orlo della manica — è leggermente fuori fuoco, e va dipinto, non sfumato a caso: la forma si disegna prima correttamente e poi si ammorbidisce, perché un bordo che non è mai stato fermo si legge come un errore. La seconda è la parete rosa, un unico campo ininterrotto sulla metà superiore; deve restare uniforme senza diventare morta, il che significa molte passate sottili invece di una spessa. La terza è il volto, dove lo sguardo deve restare non focalizzato senza diventare vuoto: la differenza sono pochi millimetri sulla palpebra. Ogni esemplare è dipinto a mano e due non sono mai del tutto uguali; ogni copia dipinta a mano è a sé. Per questo motivo non abbiamo ancora fotografie delle nostre tele finite, perché finora non lo abbiamo dipinto: qui non ce ne sono e non ne descriviamo nessuna. La fotografia della sua tela la riceve prima della spedizione.

Quale misura per quale parete?

Se è indeciso: 100 x 80 cm. L’originale è largo 92 cm e alto 72,9 cm, un rapporto di 1,26, e 100 x 80 cm dà 1,25 — il più vicino dei sette e una differenza che sulla parete nessuno vede. È anche la misura più vicina all’originale: 8 cm più larga e 7 cm più alta, così la testa risulta quasi a grandezza naturale. 50 x 40 cm ha lo stesso rapporto in formato piccolo, per una parete stretta o una mensola. 70 x 50, 80 x 60 e 90 x 60 cm si adattano sopra un cassettone o una scrivania, anche se 90 x 60 cm con 1,50 è quello che più si allontana dall’originale e taglia più stretto sopra la testa. A 120 x 90 e 150 x 110 cm i quadri grandi di questo tipo chiedono distanza e una parete propria; a 150 cm la figura è ben oltre il naturale. Misuri prima la misura scelta con una sagoma di carta sulla parete. Nessuna è a magazzino: ogni esemplare nasce su ordinazione.

Misura personalizzata, cornice e telaio

Se nessuna delle sette va bene, dipingiamo secondo la sua misura mantenendo il rapporto 1,26 e l’altezza della parete rosa sopra la sua testa, perché è proprio lo spazio sopra la figura a rendere quieta l’opera; è il nostro lavoro su ordinazione. Ogni esemplare viene spedito teso su un telaio di legno, pronto da appendere. Per la cornice usi la nostra applicazione 3D: mostra tutte le aste che abbiamo — oro, argento, nero, bianco e legno naturale — e serve alla scelta della cornice e a nient’altro. Come si comporta sulla sua parete lo mostra il nostro servizio separato, l’inserimento nell’ambiente.

Spedizione e garanzia

Ogni esemplare nasce su ordinazione nel nostro laboratorio in Slovenia; calcoli 15-45 giorni a seconda della misura, per le più grandi verso il limite superiore. Viaggia teso e protetto per il trasporto, incorniciato se ha scelto una cornice, in Italia e in altri quindici paesi dell’Unione europea, senza dazi. Prima della spedizione riceve una fotografia dell’opera finita per l’approvazione, e per ogni ordine vale la nostra disciplina dei resi. L’intera offerta si trova nella galleria Edgar Degas, e la sua vita è raccontata dal nostro articolo su Edgar Degas.

Domande frequenti

Chi è la persona ritratta?

Estelle Musson Balfour de Gas, cugina di primo grado e cognata del pittore, sposata con suo fratello René. È il museo a nominarla.

L’opera è firmata?

No. Il museo registra il segno in basso a destra come timbro d’atelier con la parola Degas — apposto alla vendita dopo la sua morte — e il catalogo registra lo stesso. Non è una firma e non la chiamiamo così.

È vero che stava perdendo la vista?

Sì, e il museo lo dice: descrive la quasi cecità di Estelle e la collega alla messa a fuoco morbida dell’opera, al suo accordo quasi monocromo e al suo sguardo non focalizzato. Annota anche che Degas aveva scoperto l’anno prima il deterioramento della propria vista.

Quando è stata dipinta?

Nel 1872/1873, durante il soggiorno di Degas a New Orleans. È la datazione del museo; il catalogo Schulman indica verso il 1872, e noi seguiamo l’istituzione che possiede l’opera.

Perché c’è così poco nell’opera?

Perché i dettagli sono stati tolti di proposito. Il museo osserva che Degas caratterizzava di solito chi posava con la posa, il gesto e gli oggetti, e che qui tali dettagli furono deliberatamente omessi — ed è proprio questo a far parte del ritratto.

Quanto è grande l’originale?

92 cm di larghezza e 72,9 cm di altezza. Con la cornice il museo indica 119,7 x 100,3 cm: ne tenga conto se ordina una versione incorniciata a grandezza piena.

Chi era Chester Dale?

Il collezionista newyorkese che comprò l’opera nel 1928 e la lasciò alla National Gallery of Art; il museo la ricevette nel 1963 e la attribuisce ancora alla collezione Chester Dale.

Quale vostra misura corrisponde all’originale?

100 x 80 cm, e due volte: il rapporto è 1,25 contro l’1,26 dell’originale, e la dimensione è a pochi centimetri dalla tela che Degas dipinse.

Quale misura evitare se tengo al rapporto originale?

90 x 60 cm. Con 1,50 è la più lontana delle sette dall’1,26 dell’originale e taglia sensibilmente più stretto sopra la testa.

È una stampa?

No. L’opera nasce a mano, a olio sul lino; le pennellate sono visibili e tattili, ma in questo motivo sono volutamente morbide anziché nette.

È adatta come regalo?

Sì, soprattutto per chi ama i ritratti quieti e senza ostentazione, e porta con sé una storia che vale la pena raccontare. Poiché ogni esemplare nasce su ordinazione, calcoli il tempo di realizzazione; se preferisce lasciare la scelta a chi riceve, c’è il nostro buono regalo.

• Motivo: Estelle Musson de Gas, cognata del pittore, seduta davanti a una parete rosa vuota
• Originale: Edgar Degas, 1872/1873, dipinto a olio, 92 x 72,9 cm, National Gallery of Art, Washington (1963.10.124)
• La nostra versione: dipinta a mano a olio, sette misure da 50 x 40 a 150 x 110 cm; 100 x 80 cm coincide con il rapporto e quasi con la dimensione
• Curiosità: la donna ritratta era quasi cieca, e Degas aveva scoperto l’anno prima il declino della propria vista