Edgar Degas – Quattro ballerine in scena

Quattro ballerine in scena stipa quattro danzatrici nei due terzi destri della tela, viste da vicino, e quella all’estrema destra è tagliata dal bordo. Tutte si inclinano e si piegano verso sinistra con le braccia tese, così che i corpi formano una diagonale dal basso a sinistra verso l’alto a destra. Le gonne sono rossa e viola sulla prima, verde turchese su quella di destra e viola pallido sulla terza; i corpetti sono rosso-arancio, purpurei e verde-giallo; i capelli sono castano rossicci, raccolti in alto e ornati di fiori chiari. Il terzo sinistro è occupato dalla scenografia — fogliame verde e giallo, il tronco di un albero, un’apertura verde-azzurra in alto a sinistra — e in basso a sinistra il pavimento è verde oliva scuro. Il colore è steso spesso e molto liberamente, quasi come pastello, e regge l’opera più del disegno. L’originale misura 92 x 73 cm, è datato 1885-90 ed è al Museu de Arte de São Paulo con il numero di inventario MASP.00082. Da noi nasce a mano, in sette misure da 50 x 40 a 150 x 110 cm oppure su misura, e prima della spedizione riceve una fotografia dell’opera finita per l’approvazione.

Quattro ballerine in scena – Edgar Degas

Che cosa accade nella scena?

Quattro danzatrici sono stipate nei due terzi destri della tela, così vicine che quella all’estrema destra è tagliata a metà dal bordo. Tutte si inclinano allo stesso modo, verso sinistra, con le braccia tese, così che i corpi si leggono come un’unica diagonale dal basso a sinistra verso l’alto a destra. Il terzo sinistro non è una stanza ma una scenografia dipinta: fogliame verde e giallo, il tronco di un albero, un’apertura verde-azzurra in alto. È un fondale di paesaggio, ed è per questo che il titolo di catalogo aggiunge décor de paysage. Non c’è pubblico, non c’è golfo mistico e non c’è pavimento se non una fascia di oliva scuro in basso a sinistra. Tutto è sul palcoscenico e nient’altro.

Come è dipinta?

Con il colore anziché con la linea, e il museo è preciso su come. Sul braccio della danzatrice centrale l’ombra è fatta di segni blu; le macchie purpuree del tutù permettono al rosa di risaltare e di acquistare, per contrasto, più luce; e parte di un volto è verde, il che sfuoca l’espressione e porta invece avanti il gesto. Proprio quest’ultima decisione è la chiave dell’opera: i volti non sono il soggetto, e non lo sono di proposito. Il colore è spesso e molto libero, più vicino al pastello che a un olio condotto a termine, e il museo annota che Degas non amava dipingere all’aperto, preferiva studiare il movimento della figura umana e degli animali, e fu tra i primi a usare ciò che la fotografia gli mostrava.

Perché si discute sulla data?

Perché due buone fonti distano quindici anni, e la ragione è a verbale. Il museo data l’opera 1885-90; il catalogo Schulman indica circa 1900. Il catalogo del museo spiega da dove viene la data più antica: Camesasca, nel 1987, ricondusse ciascuna delle quattro figure ad altre pose, segnalò una rara lacuna nel catalogo Lemoisne riguardo alle opere legate a questa, e concluse che composizioni di ballerine inquadrate così strettamente si possono datare non a partire dal 1890 circa, come si riteneva, ma almeno cinque anni prima. Seguiamo l’istituzione che possiede l’opera, e l’altra data la diciamo qui invece di sceglierne una in silenzio.

Che cosa significa la scena?

Non il movimento, ma l’istante in cui il movimento si arresta. Il catalogo del museo lo dice con nettezza: in queste figure prevale la sospensione del corpo, lo svuotamento della sua dinamica, il che le avvicina al classicismo francese — a Poussin — più che a qualunque interesse moderno per il moto. Una seconda lettura nello stesso catalogo chiama la composizione una specie di vortice che proietta la ballerina blu fuori dalla tela, nel più puro stile Ukiyo-e. Come quadro artistico è dunque insieme calmo e fortemente ritmato, e poiché il colore è alto — rosso, viola, turchese, verde-giallo — sta bene fra i quadri per il soggiorno o su una scala, come presenza viva e non come accento discreto. Fra i quadri moderni di soggetto ottocentesco è il più colorato che vendiamo. La nostra riproduzione è costruita attorno alla libertà della stesura, che è tutta l’opera.

Dalla Barnes Foundation a San Paolo

Degas non vendette questa tela; il segno in basso a sinistra è il timbro della vendita d’atelier, non una firma. Entrò nella vendita d’atelier Degas a Parigi nel 1918 come numero 113 e fu acquistata dal mercante Jacques Seligmann. Alla vendita Seligmann all’American Art Association di New York, il 27 gennaio 1921, era il numero 46, e di lì entrò nella Barnes Foundation di Merion, in Pennsylvania. Raggiunse poi il Brasile, e la formula di acquisizione del museo è la più insolita di questo scaffale: un dono del 1950 di Walther Moreira Salles, Simone Pilon, Jacques Pilon, Benedito Manhães Barreto, un commissionario del caffè a Santos che il registro non nomina, gli Industriali della Iuta di San Paolo e i Diários Associados de São Paulo. Un gruppo editoriale, un’associazione di categoria della iuta e un commerciante di caffè anonimo comprarono un Degas per un museo che aveva tre anni.

Il motivo tra le opere di Degas

Due nostre opere di danza le stanno accanto: Ballerine blu, che stipa le figure allo stesso modo, e La lezione di danza, che mostra la sala di prova invece del palcoscenico. Il terzo legame non riguarda affatto la danza: Madame René De Gas passò per le mani dello stesso mercante e fu venduta nella medesima asta newyorkese del 27 gennaio 1921, come numero 51 contro il numero 46 di questa tela. L’originale è al Museu de Arte de São Paulo, che lo registra come Quatro bailarinas em cena, 1885-90, olio dipinto su tela, 73 x 92 x 2,5 cm, MASP.00082, e il catalogo Schulman lo elenca come MS 2125, Lemoisne IV-1123, con il timbro Vente Degas in basso a sinistra.

Come nasce la nostra versione dipinta a mano?

Con pennello e colore a olio, con la stessa tecnica dell’originale, dunque come olio su tela. La cosa più difficile è la misura. Un colore steso così liberamente sembra facile e non lo è: ogni segno deve essere giusto la prima volta, perché una pennellata corretta due volte diventa fango, e l’effetto dell’opera sta tutto nel fatto che nulla è stato corretto. La seconda è la logica cromatica che il museo descrive — blu nell’ombra di un braccio, verde su parte di un volto — che l’istinto del copista vorrebbe riordinare in toni di incarnato. Quei segni restano. La terza è la diagonale: quattro corpi inclinati allo stesso modo devono mantenere esattamente lo stesso angolo, altrimenti il gruppo smette di essere un movimento e diventa quattro persone. Ogni esemplare è dipinto a mano e due non sono mai del tutto uguali; ogni copia dipinta a mano è a sé. Per questo motivo non abbiamo ancora fotografie delle nostre tele finite, perché finora non lo abbiamo dipinto: qui non ce ne sono e non ne descriviamo nessuna. La fotografia della sua tela la riceve prima della spedizione.

Quale misura per quale parete?

Se è indeciso: 100 x 80 cm. L’originale è largo 92 cm e alto 73 cm, un rapporto di 1,26, e 100 x 80 cm dà 1,25 — il più vicino delle sette e insieme il più vicino per dimensione, 8 cm più largo e 7 cm più alto della tela stessa. 50 x 40 cm ha lo stesso rapporto in formato piccolo, per una parete stretta o una mensola. 70 x 50, 80 x 60 e 90 x 60 cm si adattano sopra un cassettone o una scrivania, ma 90 x 60 cm è quella da evitare se il rapporto le importa: con 1,50 è la più lontana dall’originale e in questa composizione taglia in modo percepibile il fogliame e le braccia alzate. A 120 x 90 e 150 x 110 cm i quadri grandi di questo tipo mostrano al meglio la stesura libera, perché i segni vanno letti come segni; diano loro distanza e una parete propria. Misuri prima la misura scelta con una sagoma di carta sulla parete. Nessuna è a magazzino: ogni esemplare nasce su ordinazione.

Misura personalizzata, cornice e telaio

Se nessuna delle sette va bene, dipingiamo secondo la sua misura mantenendo il rapporto 1,26 e la larghezza della scenografia a sinistra, perché è proprio il terzo vuoto a far funzionare i due terzi affollati; è il nostro lavoro su ordinazione. Ogni esemplare viene spedito teso su un telaio di legno, pronto da appendere. Per la cornice usi la nostra applicazione 3D: mostra tutte le aste che abbiamo — oro, argento, nero, bianco e legno naturale — e serve alla scelta della cornice e a nient’altro. Come si comporta sulla sua parete lo mostra il nostro servizio separato, l’inserimento nell’ambiente.

Spedizione e garanzia

Ogni esemplare nasce su ordinazione nel nostro laboratorio in Slovenia; calcoli 15-45 giorni a seconda della misura, per le più grandi verso il limite superiore. Viaggia teso e protetto per il trasporto, incorniciato se ha scelto una cornice, in Italia e in altri quindici paesi dell’Unione europea, senza dazi. Prima della spedizione riceve una fotografia dell’opera finita per l’approvazione, e per ogni ordine vale la nostra disciplina dei resi. L’intera offerta si trova nella galleria Edgar Degas, e la sua vita è raccontata dal nostro articolo su Edgar Degas.

Domande frequenti

Di quale opera si tratta?

Un’opera tarda di danza di Degas, registrata dal Museu de Arte de São Paulo come Quatro bailarinas em cena, 1885-90. Misura 92 x 73 cm, numero di inventario MASP.00082.

L’opera è firmata?

No. Il catalogo registra un timbro Vente Degas in basso a sinistra — il marchio della vendita d’atelier dopo la sua morte — e non una firma. Su questa tela il timbro è a sinistra, non a destra.

Quando è stata dipinta?

Il museo dice 1885-90, il catalogo Schulman circa 1900. Seguiamo il museo, che pubblica anche la sua motivazione: uno studio del 1987 colloca le composizioni inquadrate così strettamente almeno cinque anni prima di quanto si supponesse.

Perché parte di un volto è verde?

Perché ce lo ha messo Degas. La nota del museo dice che il verde sfuoca l’espressione e porta così avanti il gesto: è una decisione su ciò di cui l’opera parla, non un caso di luce.

Che cosa c’è dietro le ballerine?

Una scenografia dipinta: fogliame, un tronco e un’apertura verde-azzurra. Il titolo di catalogo la registra come scena di paesaggio, ed è per questo che l’opera compare anche come Quatre danseuses en scène (décor de paysage).

Quanto è grande l’originale?

92 cm di larghezza e 73 cm di altezza. Il museo indica anche la profondità, 2,5 cm, che è lo spessore della tela tesa e non una misura di cornice.

Come è arrivato un Degas in Brasile?

Attraverso la Barnes Foundation in Pennsylvania, e poi come dono nel 1950 di un gruppo che comprendeva un gruppo editoriale, gli Industriali della Iuta di San Paolo e un commissionario del caffè a Santos rimasto anonimo.

Quale vostra misura corrisponde all’originale?

100 x 80 cm, e due volte: il rapporto è 1,25 contro l’1,26 dell’originale, e la dimensione è a pochi centimetri dalla tela che Degas dipinse.

Quale misura evitare se tengo al rapporto originale?

90 x 60 cm. Con 1,50 è la più lontana delle sette dall’1,26 e qui taglia il fogliame e le braccia alzate.

È una stampa?

No. L’opera nasce a mano, a olio sul lino; in questo motivo le pennellate sono insolitamente visibili e tattili, perché anche l’originale è dipinto così.

È adatta come regalo?

Sì — è il Degas più colorato che vendiamo e si legge da un capo all’altro di una stanza. Poiché ogni esemplare nasce su ordinazione, calcoli il tempo di realizzazione; se preferisce lasciare la scelta a chi riceve, c’è il nostro buono regalo.

• Motivo: quattro danzatrici stipate in due terzi della tela, inclinate come un’unica diagonale davanti a una scenografia dipinta
• Originale: Edgar Degas, 1885-90, dipinto a olio, 92 x 73 cm, Museu de Arte de São Paulo (MASP.00082)
• La nostra versione: dipinta a mano a olio, sette misure da 50 x 40 a 150 x 110 cm; 100 x 80 cm coincide con il rapporto e quasi con la dimensione
• Curiosità: appartenne alla Barnes Foundation prima che un gruppo di donatori di San Paolo la regalasse al museo nel 1950